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Beatles : Pourquoi « Abbey Road » a presque été appelé « Mont Everest »

The Beatles Abbey Road a célébré son 50e anniversaire au milieu d’une vague d’activités. Le groupe a laissé tomber un clip vidéo pour « Here Comes the Sun ». L’audio récemment mis au jour montre que le groupe n’était peut-être pas prêt à l’appeler quitte. S’il est vrai qu’ils avaient encore l’album Let It Be à sortir, Abbey Road a été un pas en avant et un indice vers une nouvelle direction. Il convient au groupe nommé l’album d’après le studio, car les Beatles ont rapidement progressé pendant les sessions d’enregistrement et le personnel sonore d’Abbey Road s’est souvent précipité pour suivre le rythme.

Les Beatles sont passés d’un album à l’autre, musicalement et lyriquement, en tant qu’auteurs-compositeurs et musiciens. Leurs voix ont été libérées des confins de la pop alors qu’ils ont démoli les standards un disque à la fois. Leur album de 1967, le Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band est crédité comme le premier « album rock ». C’est le premier album que le groupe a enregistré après avoir abandonné ses tournées pour devenir un groupe studio. L’album a été produit par George Martin dans un studio à quatre pistes. Alors que certains titres de The Beatles (White Album) ont été enregistrés sur des machines à rouleaux à huit pistes, Abbey Road a été le premier album studio où le groupe avait le nouvel instrument à sa disposition. Et oui, les Beatles ont utilisé le studio comme instrument.

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Let it Be avait été une tentative de « remonter » à leurs racines, jouées en direct sans overdubs. Abbey Road , en revanche, était un album studio à travers et à travers. Le studio Abbey Road d’EMI s’est équipé d’une console d’enregistrement à transistor TG12345 Mk I. Les Beatles avaient enregistré tous leurs albums précédents sur des bureaux REDD basés sur des vannes thermioniques. Au début, l’ingénieur Geoff Emerick n’aimait pas le son du transistor à semi-conducteurs, selon le livre de Womack. Il pensait que cela apprivoisait des aspects du son, comme la distorsion bas de gamme, qui est venue plus forte avec l’équipement à tubes. Emmerick est venu, concluant que le transistor a adouci le son global mais a fait ressortir la définition, clarté et un bas de gamme plus profond.

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La configuration d’enregistrement n’était pas le seul nouveau jouet avec qui le groupe devait jouer. George Harrison s’est emparé de l’un des premiers synthétiseurs Moog d’Angleterre en novembre 1968. Il l’a appris en enregistrant son album Electronic Sound et a inclus certaines des bandes originales de Robert Moog fournies avec la machine. Selon le nouveau livre sur la réalisation de l’album de Kenneth Womack, Solid State : The Story of Abbey Road et The End of the Beatles , cela a provoqué une petite faille entre Harrison et l’inventeur. Mais tous les Beatles se sont amusés avec ça. John Lennon a créé du bruit blanc pour « I Want You (He’s So Heavy) » et a utilisé le synthé comme instrument principal dans « Parce que ». Il joue des rôles mélodiques dans « Maxwell’s Silver Hammer » et illumine les guitares de « Here Comes the Sun ».

D’après tous les témoignages, Abbey Road était plus agréable à faire que les sessions Let It Be, mais le groupe avait encore des arguments. Selon le livre de Womack, une grande partie de la tension peut être retracée à une réunion du groupe de mai 1969 où Paul McCartney refusait catégoriquement de laisser Allen Klein le gérer. Lennon a quitté le groupe en privé, jurant le biographe Ray Coleman de faire taire, avant la sortie de l’album. McCartney a publiquement démissionné l’année suivante. Harrison et Ringo Starr avaient déjà présenté des démissions sur des albums précédents. Starr a écrit sa chanson « Octopus’ Garden », alors qu’il était dehors. Harrison a écrit « Here Comes the Sun », tout en jouant à la narguilée du groupe. Même l’ingénieur Emerick a cessé de travailler avec le groupe à cause du stress. Il a dû être attiré en arrière. Comme le grand-père de Paul lui a lié le groupe avec des promesses d’être bon dans A Hard Djour’s Night , les Beatles ont donné au jeune ingénieur les mêmes assurances qu’ils avaient données à Martin.

Les horaires d’enregistrement ont été régulièrement interrompus. Lennon et Yoko Ono ont eu un accident de voiture en juin. McCartney a pris congé lorsque sa fille Mary est née le 28 août. Lennon et McCartney ont enregistré « The Ballad of John and Yoko » en avril, tandis que Ringo Starr jouait avec Peter Sellers dans le film The Magic Christian . Il s’agissait des deux seuls Beatles de la chanson, qui est sorti en single et n’a pas été inclus dans l’album. Lennon n’a assisté à aucune des séances de « Here Comes the Sun ».

Les sessions d’Abbey Road n’ont pas toutes eu lieu dans le studio éponyme. Des parties de « Something » et « You Never Give Me Your Money » ont été enregistrées aux studios olympiques de Barnes, dans l’ouest de Londres, ce qui prouve que le groupe pouvait faire de la musique n’importe où. Ils avaient en fait examiné les avancées techniques et les possibilités sonores offertes par Stax et d’autres studios qui ont capté une dynamique spécifique qu’EMI ne pouvait pas reproduire. La première session de l’album a eu lieu au Trident Studios, dans la rue Wardour de Soho, le 22 février 1969, trois semaines après les sessions Get Back . Le groupe a enregistré un morceau de soutien pour « I Want You (Se’s So Heavy) » avec Billy Preston à l’orgue Hammond, Lennon à la guitare et au chant guide, et le reste du groupe désireux de s’attaquer au nouveau matériel complexe.

Le 11e album studio des Beatles a été le point culminant des techniques développées par Martin pour accueillir le groupe au cours des sept dernières années. McCartney a dit à Martin que le groupe voulait faire un album « comme nous le faisions auparavant ». Bien que l’histoire ait beaucoup été faite, l’album a été fait comme une bonne note à suivre, tandis que les Beatles réfléchissaient en avant, élargissaient et consolidaient leurs talents en tant qu’unité. Aussi homogène et unifié que l’album apparaisse, le groupe a soufflé à travers les genres, les guitares country fusionnent avec le blues, la pop, le doo wop et le rock progressif.

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Le fait de diviser l’album en deux moitiés distinctes était un compromis. entre le désir de McCartney et Martin d’une approche thématique du Sergent Pepper’s Lonely Hearts Club Band et la préférence de Lennon pour des chansons distinctes et sans rapport. La première chanson à obtenir l’aiguille est « Come Together », l’un des grands titres d’ouverture de n’importe quel album de l’histoire du rock. De la course « pudding sound » de Ringo au sobre « shoot me » de Lennon, la chanson est instantanément reconnaissable comme un départ par rapport aux œuvres antérieures du groupe. L’interaction basse et guitare résume tout le son de la fin des années 1960, tandis que les vers libres associent chaque membre du groupe.

« Come Together » a commencé sa vie sous le nom de « Let’s Get It Together », une chanson de campagne pour Timothy Leary, qui se présentait contre Ronald Reagan pour le gouverneur de Californie. Lennon a écrit des paroles brutes lors du deuxième événement de lit à Montréal. Lennon a ouvert avec la ligne « here come old flat top », qu’il a obtenu de la chanson de Chuck Berry « You Can’t Catch Me ». Alors que Lennon y voyait un hommage, Morris Levy, éditeur de Berry, a vu cela comme un vol et a poursuivi en justice. Lennon a dû enregistrer trois reprises du portefeuille d’édition de Levy dans le cadre d’un règlement de 1973.

Harrison a écrit « Something » lors des sessions de l’album blanc après avoir entendu la chanson de l’artiste d’enregistrement d’Apple James Taylor « Something in the Way She Moves ». Harrison avait également écrit « Here Comes the Sun » après avoir entendu la chanson de Lennon « Here Comes the Sun King » lors des sessions Let It Be. Les lignes de tête mélodiques de Harrison provenaient de son « Lucy » 1957 que Gibson Les Paul a joué par l’intermédiaire d’un conférencier Leslie. Le piano de Lennon était surtout mélangé, mais on peut l’entendre au milieu des huit heures juste avant le solo de guitare. George aurait accusé McCartney de surjouer sur la chanson, mais Paul a dit dans Anthology qu’il ne faisait que ce qui sonnait le mieux. Frank Sinatra a appelé « Something » « la plus grande chanson d’amour jamais écrite », en plus d’être son Lennon/McCartney préféré chanson. Lennon est sur disque comme disant « Something » est sa chanson préférée sur Abbey Road . La chanson la moins préférée du groupe de l’album a suivi.

McCartney a présenté « Maxwell’s Silver Hammer » au groupe pendant les sessions Let It Be, et le film les surprend en courant. Il a écrit la chanson en 1968 après l’incursion méditative du groupe en Inde. Rejeté de l’album blanc, parce que c’était trop compliqué, McCartney l’a ramené et a subi le même genre de karma instantané que Maxwell dans la chanson. Harrison l’a qualifié de « fruité » dans une interview de Crawdaddy en février 1977. Lennon l’a appelé « musique de grand-mère », selon le livre de Womack. Starr a dit à Rolling Stone que c’était « la pire piste que nous ayons jamais eu à enregistrer » et les sessions « ont duré pendant des semaines. »

Cet écrivain se range avec McCartney sur celui-ci. Il a dit vouloir faire la chanson et c’était une bonne raison de le faire. Lennon lui a dit à son , comme on l’a entendu sur la bande dont Mark Levisohn a fait des remarques, même McCartney n’aurait pas pu l’aimer. Il l’a fait. La chanson est soniquement subversive. Il a une mélodie singalong et une structure d’accords très heureuse. Il y a même des effets secondaires pour les enfants : Mal Evans, assistant de longue date des Beatles, a fait un « bang bang » sur une enclume. Mais la chanson parle d’un tueur en série et elle a été écrite par le « mignon » Beatle. Mettre une intention violente dans une chanson qui sonne est un pur éclat. Il n’est pas très éloigné de « The Continuing Story of Bungalow Bill » dans son ironie. Il ressemble à celui de Country Joe McDonald’s « I Feel Like I’m Fixin’ to Die Rag », un autre chant aux notes sombres qui était considéré comme assez branché à l’époque. Paul aurait peut-être dû laisser Ringo chanter ça. Ils l’ont peut-être coupé un peu de mou.

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Le groupe a d’abord joué « Oh ! Chérie » lors des sessions Get Back . Après sa réenregistrement en avril, McCartney a enregistré une prise vocale principale par jour pour capturer cette perfection rauque. Lennon a dit aux intervieweurs qu’il aurait dû chanter le plomb là-dessus, mais il obtient la même attaque à plein gaz que McCartney a donnée sur des morceaux comme « Long Tall Sally » et « I’m Down ». Le support plonge une progression d’accord de doo wop dans la musique des marais de Louisiane.

Ringo a écrit la majeure partie de « Octopus Garden » après un voyage en Sardaigne sur le yacht de Peter Sellers, et non dans un sous-marin jaune. Comme on peut le voir dans le film Let It Be , la chanson a été polie par Harrison. Ringo a soufflé des bulles dans un verre d’eau pour capturer les sons sous-marins. Pour donner aux voix de soutien un son bancal, Emerick les a introduits dans un compresseur et l’a déclenché à partir d’un son pulsé.

Si « Revolution 9 » et « Helter Skelter » n’ont pas prouvé que les Beatles étaient loin de leurs origines pop top, « I Want You (She’s So Heavy) » de Lennon fait. L’ode lyriquement simple de Lennon à Ono met plus de clous dans ce cercueil que les pieds nus de McCartney sur la pochette de l’album dans les rumeurs « Paul is Dead ». Il est sombre, délibéré et grandiose. Se trouvant à 7h47, avec des battements complexes qui basculent entre 12/8 et 4/4, il est positivement goth. Les guitares sonnent comme si elles peuvent être construits pour toujours. Les doigts de McCartney s’amusent tellement à la basse qu’ils transforment le fond en une halle de miroirs de carnaval sombre. Il ne manque pas une frette. Emerick lui-même a fait le snip de bande étonnant pour mettre fin à la chanson, a raconté l’ingénieur Alan Parsons, qui a ensuite produit Pink Floyd et d’autres groupes, raconté pour le livre de Womack. La chanson est passée d’un cri à un silence soudain pour terminer le côté d’Abbey Road .

Dans son mémoire I, Me, Mine Harrison se souvient avoir écrit « Here Comes the Sun » dans le jardin d’Eric Clapton tout en prenant une pause des réunions d’affaires d’Apple Corps. Le morceau de base a été enregistré le 7 juillet, selon le livre de Womack, avec Harrison chante et joue de la guitare acoustique, McCartney à la basse et Starr à la batterie.

Vous pouvez regarder le clip vidéo « Here Comes the Sun » ici :

Lennon a roulé Beethoven pour une autre chanson classique sur Wonder. Il est venu avec l’arpège qui encadre « Because » après avoir dit à Ono de jouer les accords à « Moonlight Sonata » à l’envers. La beauté de la structure classique est encore affinée par les harmonies impeccable en trois parties, enregistrées trois fois par Lennon, McCartney et Harrison, pour superposer neuf voix sur le mélange final. George Martin joue l’ouverture au clavecin, Harrison joue le synthétiseur Moog.

Le premier morceau du medley, « You Never Give Me Your Money », surprend McCartney qui se réjouit de la moche interlope d’Allen Klein sur un piano magnifique et simple. Le chant commence doucement, simple piste, double piste et harmonisé avant que Paul ne déchure sa voix « Lady Madonna ». La chanson devient plus sonore compliqué et s’estompe sur les comptes à prier tandis que les trois guitaristes du groupe se relaient sur les lignes de tête dans une accumulation royale.

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La transition vers « Sun King » mène à des harmonies sans faille à trois pistes sur des paroles sans dialectique absurde. La première des trois mini-chansons de Lennon passe d’une promesse luxuriante à des ironies linguistiques surréalistes. Il amplifie la bêtise avec le jumelage sublimement pervers de « Mean Mr. Mustard » et de sa possible sœur, « Polythene Pam ». Il y a un excellent travail de guitare dans toute la suite, et l’accumulation instrumentale à la fin est tellement excitante que Lennon doit crier « oh attention » pour faire quelques pauses.

Selon le livre de Womack, « She Came in Through the Bathroom Window » a été écrit après que certains des « Apple Scruffs », des fans qui ont fait camper devant les studios d’enregistrement et parfois les maisons des Beatles, se sont glissés chez McCartney pour essayer son jeans et décollage avec quelques souvenirs. Ne dites pas ça aux Moody Blues, qui affirment qu’il s’agissait d’une groupie qui voulait prendre une douche avec leur flûtiste.

McCartney a obtenu les paroles de « Golden Slumbers » d’un poème écrit par Thomas Dekker en 1603. Il donne une performance vocale bravade sur la piste jusqu’à ce que les quatre Beatles l’aident à « Carry the Weight ». Les quatre Beatles qui chantent à l’unisson créent une voix entièrement nouvelle, qui est perceptible à partir de n’importe quel travail d’harmonie réalisé par le groupe. Lennon et McCartney ont chanté à l’unisson tout au long de leur carrière d’enregistrement, parfois lorsqu’ils échangent des lignes de tête et, parfois, lorsque les harmonies se chevauchaient, une troisième voix arrive. Lorsque vous ajoutez Starr et Harrison, le son est complètement modifié et pourtant incroyablement familier. « You Never Give Me Your Money » reprend avec un refrain mettant en scène les quatre Beatles.

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« The End » est doté du seul tambour Ringo solo jamais enregistré pour les Beatles. Mixé sur deux pistes pour un véritable son stéréo, il a été enregistré à l’aide de douze microphones. Starr a interprété le solo accompagné de guitare et de tambourin, qui ont été montés pendant le mix. Soutenu par une propulsion constante de 8e notes de grosse caisse, Ringo monte et descend les toms pour les combles. Starr a dit avoir pris note du tambour de Ron Bushy sur « In-A-Gadda-Da-Vida » d’Iron Butterfly. Le solo de batterie du premier classique du metal dure deux minutes et demie. Ringo fait tout cela en 15 secondes économiques. Selon le livre Here, There and Everywhere de Geoff Emerick, le solo « était en fait beaucoup plus long que ce qui a fini par être arrivé sur l’album ».

Les solos sont différents des pistes, et Starr n’obtient pas le mérite des rôles principaux qu’il a joués dans pas mal de coups sûrs des Beatles. Il joue certainement d’un instrument principal dans « Rain », et prend une avance à la fin de « Strawberry Fields ». Tout le monde joue, mais Vous entendez Ringo. Cela se produit beaucoup dans le répertoire du groupe.

« The End » inclut aussi les solos de guitare de duel à trois voies, une idée qui est venue de Lennon, qui voulait à l’origine faire lui-même le solo. Paul mène en pliant les cordes de son Telecaster de la même manière que ses pistes dans la chanson « Another Girl ». Harrison arrive deuxième, glissant les doigts expansivement sur un Les Paul et laissant Lennon voler le spectacle avec des rafales rythmiques fortement déformées sur son Epiphone Casino. Selon le livre de Womack, les trois guitaristes ont enregistré les solos et l’ont fait en une seule prise. Le troisième et dernier solo de Lennon cède la place aux accords de piano qui soutiennent le couplet final de l’album : « Et en fin de compte, l’amour que vous prenez est égal à l’amour que vous faites. »

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L’album s’appelait presque « Everest », qui était le nom de la marque de cigarettes. Emerick a fumé. Plutôt que de faire le trek jusqu’au mont Everest pour un tournage de couverture, le groupe s’est rendu au piéton le plus proche. Iain Macmillan a photographié les Beatles qui s’éloignent des studios d’enregistrement EMI. C’est le seul album du groupe qui n’avait pas son nom sur la pochette.

Au Zebra Crossing, Lennon est en tête, suivi de Starr, un McCartney pieds nus et hors de marche, et Harrison, le seul membre du groupe à ne pas porter de costume Tommy Nutter. Il y a une Volkswagen Beetle blanche à gauche du groupe. Sa plaque d’immatriculation est 28IF, ce qui s’ajoute presque à la rumeur « Paul est mort ». Il ne pouvait pas en dire autant de son groupe. Après la sortie d’Abbey Road, le projet Get Back est devenu Let It Be et était le dernier album sorti par les Beatles. Lennon a « divorcé » des autres Beatles le 20 septembre, six jours avant la libération d’Abbey Road .

Quand il est sorti pour la première fois, Abbey Road a reçu des critiques mitigées. Le Times l’a appelé. gimmicky. Rolling Stone a qualifié ça de compliqué. Le New York Times a déclaré que les chansons n’étaient rien de spécial. Melody Maker pensait que c’était « un gaz naturel ». Aujourd’hui, certains critiques pensent qu’il s’agit du plus grand album des Beatles. Bien que ce soit peut-être une opinion, les progrès du groupe sur Abbey Road ont été aussi importants que le saut qu’il a fait entre Rubber Soul et Revolver .

Abbey Road a vraiment tout changé, ce que les Beatles ont pris l’habitude de faire tout au long de leur carrière. La production record continuerait de s’affiner jusqu’à ce qu’elle soit remplacée par une surproduction des années 1980. Mais nous pouvons entendre des bribes d’Abbey Road sur diverses offres allant de Dark Side of the Moon de Pink Floyd à Red Head Stranger de Willie Nelson. Le sergent Pepper a peut-être ouvert la voie au Who’s Tommy, mais Abbey Road a cédé la place à Who’s Next, il a mis la peinture en aérosol sur le graffiti physique de Led Zeppelin. Il a aidé Marvin Gaye trouver un million de voix pour What’s Going On ? .

Abbey Road a résumé le son de toute la génération en entrant dans une nouvelle phase. Le disque inclut la sensation de toute la musique qui se déroulait à l’époque. Non seulement les genres, mais aussi les battements de rue et le discours de la fin de la décennie. C’était le monde tel que nous l’avons entendu.

Aujourd’hui, nous savons que c’était le groupe qui a éteint les lumières du studio, mais à l’époque, ils ne se séparaient que jusqu’à ce qu’ils se retrouvent en studio. Lennon, Harrison et Starr se réunissent pour des collaborations de courte durée après la rupture. McCartney jouait lui-même de tous les instruments quand il en avait besoin. Ces aspects de la phase des Beatles ont débuté sur The White Album. Ils ont commencé sur les chansons « Yesterday » et « Eleanore Rigby ». Même leur carrière solo s’est concrétisée sur Abbey Road, le groupe a joué en tant que groupe, puis s’est présenté individuellement pour rendre les choses parfaites. Abbey Road n’est peut-être pas le meilleur album des Beatles, qui honore les changements en fonction de ce qui est joué à un moment donné, mais c’est le plus parfait. Il a fini par marquer la fin du groupe rock préféré au monde, mais il a promis d’autres à venir.

Spotify célèbre la sortie du dernier album studio enregistré du groupe avec une playlist exclusive, The Beatles Abbey Road Experience , que vous pouvez écouter ici :

« Her Majesty » s’ouvre en fait avec le dernier accord de « Mean Mr. Mustard » et a été placé avant « Polythene Pam » dans les mélanges bruts initiaux de la suite, mais McCartney pensait que cela coulait mieux sans elle. Le deuxième ingénieur John Kurlander l’a découpé du mélange et l’a attaché à la fin de la bande principale après 20 secondes de silence. Il devait être laissé de côté, mais l’ingénieur maître Malcolm Davies l’a inclus sur une laque de lecture. Quand les Beatles l’ont entendu, ils ont aimé l’effet de la fausse fin. Les pressages originaux du n’a pas répertorié la chanson, permettant aux Beatles d’inventer des « morceaux cachés ».

Le rédacteur en chef de la culture Tony Sokol s’est coupé les dents sur les services de câblage et a également écrit et produit le Vampyr Theatre de New York et l’opéra rock Assassination : We Killed JFK . Lisez plus de son travail ici ou retrouvez-le sur Twitter @tsokol.